12 horas com Chagall
12 horas com Chagall.
Será que Alois Senefelder pensou no que estava a oferecer ao mundo ao criar, no final do século XVIII, uma forma económica de imprimir partituras e textos teatrais? Provavelmente não, embora, anos mais tarde, tenha percebido que a sua invenção da litografia acabou por ser muito mais lucrativa e interessante do que aquilo para que tinha sido originalmente concebida e para o qual teve pouca utilidade.
Numa manhã de julho de 1796, o dramaturgo alemão escreveu com um lápis de cera, sobre uma pedra polida, a lista de roupa que a lavadeira iria levar; ao fazê-lo, lembrou-se de que, durante alguns meses, tinha tentado encontrar um método que permitisse a reprodução de uma peça de teatro da sua autoria, que nenhuma editora se dispunha a publicar. Esse momento doméstico quase impercetível levou-o a experimentar métodos de reprodução baseados na premissa da incompatibilidade entre a gordura e a água, e na técnica da gravura a água-forte. Assim nasceu a litografia e, muito em breve, os artistas descobriram as vantagens do novo procedimento que lhes permitia desenhar diretamente sobre a chapa, sem a necessidade de gravadores intermediários.
No século XIX, artistas como Goya, Daumier, Delacroix, Eduard Munch, Matisse, Braque, Picasso, Toulouse-Lautrec, Alphonse Mucha ou Andy Warhol levaram a litografia ao mais alto nível de expressão e qualidade artística.
No entanto, só em meados do século XX é que o mundo da arte se debruçou seriamente sobre a arte de imprimir arte. Paris e Berlim começam a divulgar um conceito tão novo quanto modernizador que, inicialmente, é conhecido como a nova gravura; ou seja, a arte de gravar novas formas, no que o mundo conhece hoje como gravuras, e mudam para sempre a face da arte impressa.
Eram tempos em que o desenho reinava; por isso, predominavam na arte aquelas gravuras de contorno, feitas com o buril, em água-forte ou em xilogravura, muito praticadas pelos expressionistas alemães do grupo Die Brücke, especialistas na representação do homem.
Foi a resposta lógica das então conhecidas como «primeiras vanguardas», nas quais se tornava evidente que o artista tinha uma inclinação para melhorar e continuar a evoluir na sua visão das imagens, através de uma busca que incluía ferramentas, equipamentos e domínio tecnológico para dar a melhor base e suporte às propostas com as quais ansiavam por satisfazer as suas expectativas. O resultado foi o aperfeiçoamento da técnica e, com isso, a descoberta de novos materiais para aperfeiçoar um produto que, em benefício da humanidade, constitui um legado inestimável, guardado nos grandes museus do mundo, graças ao facto de ter sido possível imprimi-lo e conservá-lo através da utilização de diversas técnicas. Não se trata de obras originais, evidentemente; mas algumas têm um valor quase incalculável.
É o caso da Suite Vollard, um conjunto de 100 gravuras de Picasso consideradas as mais importantes da arte moderna, do qual foram produzidos cerca de 300 conjuntos e dos quais sobrevivem, talvez, menos de 20 na íntegra. Em todo o mundo, apenas 10 museus possuem a coleção completa; o último a adquiri-la, o British Museum, pagou pelo conjunto de obras cerca de um milhão de libras esterlinas em 2011.
O processo artístico de criação e elaboração de desenhos, utilizando um suporte e a sua posterior transferência para um substrato, passou por diferentes fases que o tornaram cada vez mais preciso e exigente, diversificando-o para satisfazer necessidades específicas.
É possivelmente a técnica de impressão mais antiga, embora não seja necessariamente utilizada para reproduzir uma obra já existente. Normalmente, a serigrafia é utilizada para criar uma imagem final específica que é reproduzida de forma quase idêntica várias vezes. É conhecida desde o ano 960 d.C. e acredita-se que tenha sido inventada pela dinastia chinesa Song. A técnica continua em uso e é utilizada como meio de expressão nas artes gráficas.
É considerada uma técnica autónoma de impressão artística e é utilizada para reproduzir um desenho em versão impressa, utilizando uma pedra ou uma chapa metálica para estampar diretamente sobre o papel a obra criada pelo artista. Utilizam-se tintas à base de óleo em placas que são pressionadas sobre o papel; cada placa permite uma quantidade limitada de cópias. Se a qualidade da impressão for excelente e tiver sido realizada apenas uma quantidade reduzida de edições, a obra tem um valor significativo.
Pedra utilizada para impressão litográfica com um motivo da Universidade de Princeton. Coleção: Biblioteca da Universidade de Princeton. Universidade de Princeton; Princeton, NJ. Imagem de domínio público.
É o processo de criar uma imagem fotográfica que é impressa com tinta sobre papel e não sobre um material fotossensível. Essencialmente, e embora o termo seja muito abrangente, qualquer obra de arte copiada por meios fotomecânicos é uma reprodução. Pode ser considerada um primeiro passo na transição do formato analógico para a era digital. No âmbito da reprodução fotomecânica, conhecem-se vários processos, nomeadamente a pré-impressão, ou fotomecânica, que deu origem à utilização de grandes máquinas de impressão e câmaras especiais que separavam as cores; a impressão offset, que utilizava um sistema de três cilindros, melhorando a qualidade de impressão; e uma variedade de outras técnicas, como a flexografia, a gravura em cavo e a xilogravura.
Impressão fotomecânica Imagem de domínio público.
Trata-se da impressão de mais alta qualidade, criada a partir de um ficheiro digital graças a impressoras de jato de tinta de última geração, que produzem impressões com contrastes de grande profundidade, cores de elevada intensidade e excelente resolução.
Uma obra impressa através da técnica Giclée permanecer inalterada por mais de 100 anos, sendo a técnica preferida de ilustradores, fotógrafos artísticos e, em geral, conhecedores de arte que, tal como pudemos constatar no nosso estúdio de COLOR3ARTE, apreciam não só os magníficos resultados, mas também o nosso gosto por trabalhar na arte de imprimir arte.
A Arte de Falsificar Arte / Certifica a tua obra gráfica: a pintura«A Última Ceia I», de Han van Meegeren, na 11.ª Feira de Arte e Antiguidades de Roterdão, a 31 de agosto de 1984. – No verão de 1938, Han van Meegeren mudou-se para Nice. Em 1939, pintou «A Última Ceia I» ao estilo de Vermeer. Imagem: GaHetNa Natiionaal Archief NL/Wikimedia.
Auto-retrato de Han van Meegeren (Domínio Público)
Han van Meegeren, um pintor holandês falecido em meados do século XX, mantém, juntamente com Elmyr de Hory, uma rivalidade estranha e pouco honrosa: são possivelmente, até hoje, os dois falsificadores de obras de arte mais famosos da história. As suas vidas e feitos, verdadeiramente fascinantes, preenchem páginas da história da arte do século XX e estão profundamente enraizadas na sua falta de sorte como pintores originais: eram artistas extraordinários que, não tendo sucesso nas suas propostas pessoais, dedicaram o seu tempo a desenvolver uma habilidade incrivelmente difícil: pintar ao estilo de outro.
Em maio de 1945, as forças aliadas interrogaram o banqueiro e negociante de arte Alois Miedl sobre o Vermeer recém-descoberto. Com base na confissão de Miedl, a autoria do quadro remonta a Han van Meegeren.GaHetNa (Nationaal Archief NL)Fotógrafo: Koos Raucamp
Eles faziam isso tão bem que conseguiram ganhar milhões enganando museus, colecionadores e, sobretudo, milionários suficientemente snobes para não se atreverem a submeter as suas obras de arte a análises mais aprofundadas que lhes pudessem revelar a verdade. Em 1940, Han van Meegeren pintou a obra «A Ceia de Emaús». Trata-se de um óleo sobre tela ao estilo de Vermeer, que se acredita ser a falsificação mais famosa e bem-sucedida da história. Este quadro é, aliás, muito interessante; Meegeren fez-o passar por um Vermeer autêntico (um reconhecido pintor neerlandês, autor do famosíssimo quadro «A Moça de Pérola») e, como tal, vendeu-o, introduzindo-o em coleções de museus durante vários anos. Mas, na realidade, Vermeer nunca pintou cenas religiosas (conhecem-se 33 obras do pintor holandês) e «A Ceia de Emaús» é um óleo realizado por Caravaggio, o famoso pintor italiano do século XVII cuja obra não tem qualquer relação com a falsificação.
O Jantar em Emaús por Han van Meegeren 1936-1937, não é de Vermeer. imagem: Wikimedia Commons
A Arte de Falsificar Arte / Certifica a tua Obra Gráfica
Muito semelhante é a história de Elmyr de Hory. A sua obra pictórica, conhecida no jargão do mundo da arte como «pastiches» — uma vez que se trata sempre de obras que procuram imitar, com maior ou menor sucesso, o trabalho de outra pessoa —, está tão presente em coleções privadas e até mesmo em museus de todo o mundo que, após a sua morte, ocorrida em 1976, se constatou que pelo menos 1000 obras falsas, distribuídas pelo mundo por negociantes sem escrúpulos, tinham acabado por integrar as coleções de arte mais famosas do planeta.
Pinturas de Emir do Hory: Imagens de domínio público
Nenhum deles se considerou jamais um falsificador e muito menos estavam cientes de que a sua verdadeira arte era a de enganar. Hory, por exemplo, era um especialista em falsos Picassos inexplicavelmente bem colocados, pois um olhar um pouco mais atento de um estudioso da obra do pintor de Málaga teria descoberto as imprecisões nos traços e outros detalhes típicos de uma imitação de Hory e teria frustrado as suas ambições.
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Pintor: Han van Meegeren 1935 – 1943 Imagens cedidas à Color3arte Rijksmuseum
Ambos, no entanto, foram julgados por falsificação e Meegeren pintou — na presença das autoridades — durante um dos seus processos judiciais, um Vermeer tão autêntico que deixou todos com a impressão de que o homem era uma fotocopiadora, escapando a uma pena de prisão perpétua por ter sido acusado de colaboracionismo.
Passaram para a história; embora os seus finais não tenham sido nada felizes, conseguiram escapar às penas de prisão e obtiveram reconhecimento. O século XXI tem sido testemunha de inúmeras exposições do seu legado, tanto da falsificação como da sua escassa obra original, em locais tão prestigiados como o Círculo de Bellas Artes de Madrid.
Julgamento de Han van Meegeren Imagens e vídeo Creative Commons
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É uma anedota, sem dúvida, mas ilustra na perfeição a importância que a certificação de uma obra tem no mundo das artes. Um processo que não deve ser deixado nas mãos de pessoas sem a preparação necessária e que é cada vez mais exigente, uma vez que a certificação garante legalmente que uma obra pertence a um determinado autor, com base na análise de determinados parâmetros rigorosos. A autenticação confere valor à obra no mercado da arte, facilitando a sua venda entre particulares.
No entanto, nem todos os certificados têm o mesmo valor numa transação comercial que envolva a obra em questão. Existem casos extraordinariamente curiosos; por exemplo, está comprovado que, no catálogo oficial da obra de Georges Braque, existem duas obras que não são da sua autoria, mas que foram autenticadas por ele, em vida. Por conseguinte, essas obras, embora beneficiem de dupla certificação, uma vez que constam do catálogo oficial da sua obra e possuem a assinatura autêntica do pintor, não atingem, nem de longe, o preço de uma obra de Braque se forem a leilão.
Algo semelhante acontece com o catálogo de Zurbarán, que inicialmente contava com mais de mil obras. Após um estudo minucioso realizado em 2010 pela historiadora francesa Odile Delenda, cerca de 700 obras foram retiradas do catálogo, não devido às suas origens duvidosas, mas à certeza de que não eram obra do famoso pintor do Século de Ouro espanhol. Esse estudo serviu para estabelecer a obra de Zurbarán num conjunto de aproximadamente 300 peças.
Para determinar o preço final de uma obra, são tidos em consideração tanto a antiguidade da obra como a sua presença em museus, o nível de autenticidade, o estilo, o autor e, claro, uma qualidade técnica consentânea com a que se atribui a determinado artista; além disso, é atribuído um enorme valor à credibilidade e ao prestígio académico e profissional do curador responsável pela emissão dessa certificação. De facto, existe uma lista muito restrita de profissionais em todo o mundo que estão habilitados a fazê-lo.
Para saber se essa obra em particular pertence ao autor que a assina e determinar com certeza se se trata de um original, de uma falsificação ou mesmo de outro pintor, fotógrafo ou desenhista que segue a mesma corrente artística e assina de forma semelhante.
É um trabalho que levamos muito a sério na COLOR3ARTE. Não só preservamos a autenticidade do que reproduzimos e defendemos o direito do fotógrafo e/ou ilustrador de que a sua obra não seja utilizada para fins diferentes daqueles que ele deseja, como também estamos cientes de que a qualidade de impressão que oferecemos pode dar azo à ganância de certos mercadores de arte; por isso, todas as obras que chegam às nossas oficinas fazem-no com a aprovação do artista ou com a maior clareza quanto à sua origem.
Afinal, embora a lei estabeleça que é a intenção expressa de enganar por parte de quem realiza a obra fraudulenta que define uma reprodução de uma obra de arte como falsificação, nós temos muito cuidado em respeitar o trabalho do fotógrafo ou ilustrador que nos visita. Na verdade, temos a sorte de poder certificar o trabalho que sai da Color3arte, pois o autor intervém normalmente no processo.
A Arte de Falsificar Arte / Certifica a tua Obra Gráfica

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O que é a impressão Fine Art Giclée e qual é a sua história.
Imagens de Henry de Wilhelm, daWilhelm Imaging Research, Inc. Cedidas pela Nash Editions à Color3arte
O mundo da impressão de imagens tem vindo a transformar-se de forma drástica desde que, em 1991, surgiu pela primeira vez o termo «Giclée» para designar o que também é conhecido como impressões «fine art».Trata-se de um conceito verdadeiramente inovador, no qual a tecnologia, o talento humano e recursos da mais alta qualidade se combinam de forma absolutamente perfeita para produzir obras de arte.
Giclée, termo francês que se pronuncia «yiclé», é uma técnica de impressão de imagens cujo nome deriva do verbo «gicler», ou seja, pulverizar. Consiste em projetar o pigmento sob a forma de gotículas microscópicas,pulverizadas sobre a tela ou o papel de forma contínua, tal como funciona um pulverizador de alta pressão.
Ao contrário do que acontece com a maioria das impressoras de tinta contínua, que libertam quantidades reguladas de tinta apenas quando necessário, no processo de impressão Giclée, a tinta é aplicada ao suporte com precisão milimétrica e sob alta pressão, graças a um sistema de vibração com peças de cristal piezoelétrico. Nesse processo, as gotas de tinta recebem uma carga elétrica específica, de modo que, aquelas que não são necessárias, são descartadas por via eletrostática para um sistema de recolha de resíduos que não interfere com o trabalho de impressão.
Esse sistema, que, como tudo o que é tecnológico, exige uma precisão que parece milagrosa, produz reproduções com uma nitidez impossível de imaginar com outro método de trabalho. É por isso que é tão valorizado como método de impressão. Graças à utilização de tintas e papéis especiais,próprios da técnica, as impressões fine art têm a garantia de perdurar quase eternamente.
Uma das maravilhas da técnica Giclée é a sua capacidade de captar com precisão os detalhes das formas. Mesmo que se recorram a outros meios para o efeito, sem a técnica de impressão fine art, certas bordas, texturas e padrões que definem a imagem não seriam reproduzidos no papel com tanta precisão e, o tom contínuo, sobretudo em tons de cinzento ou esbatidos, não seria tão exato.
Além disso, «fine art» é um termo diretamente associado a papéis de altíssima qualidade. Não se trata de um rótulo vazio; o papel utilizado na impressão «fine art» tem de cumprir critérios de qualidade muito próprios e específicos. Estamos a falar de papéis cuja composição difere bastante do papel fotográfico normal; é composto por fibras naturais, principalmente algodão ou alfa-celulose, não foi branqueado artificialmente com cloro, possui um pH neutro e um tratamento especial que é o que garante a durabilidade da impressão.
O que é a impressão Fine Art Giclée e qual é a sua história.
Un pionero en el uso de impresoras de inyección de tinta en color de alta resolución en el campo de las bellas artes es Nash Editions. Ubicado cerca de Los Ángeles en Manattan Beach, California, Nash Editions fue fundada por el británico Graham Nash del legendario grupo de rock de los años 60 Crosby, Stills, Nash & Young. Nash, un gran fotógrafo y coleccionista, se sintió atraído por el proceso de inyección de tinta como un medio para imprimir fotografías que había escaneado y trabajado con el software Adobe Photoshop en su computadora Apple Macintosh. Aquí se muestran los miembros del personal de Nash Editions (de izquierda a derecha) Jack Duganne, R. Mac Holbert y Graham Nash. Esta fotografía y las fotografías de la página siguiente fueron tomadas por el autor durante una visita a Nash Editions en febrero de 1992, poco más de seis meses después de su apertura comercial. <www.nasheditions.com>
Jack Duganne, especialista na área da impressão e chefe do departamento de Belas Artes da Nash Editors, criou o neologismo «Giclée» para designar esta forma peculiar de imprimir imagens. Em 1991, percebeu que era necessário diferenciar claramente os tipos de impressão que eram produzidos a partir das famosas impressoras Iris, que já tinham cunhado o termo «Iris Proof» para um tipo de impressão de alta qualidade, que era, na verdade, considerada uma prova de impressão, antes de o trabalho ser encomendado em grande escala.
Este conhecido método de impressão tinha a desvantagem de parecer um sistema demasiado industrial, pouco ligado à essência do método —se assim se pode dizer, artesanal —, masde alta qualidade,tal como exigido pelos artistas,fotógrafos e criadores gráficos da época.
Para conseguir essa diferenciação e responder às exigências de comercialização da técnica, Duganne partiu do verbo «glicer» para encontrar uma palavra que distinguisse o seu trabalhoda impressão industrial em bloco. Isso deveu-se, sobretudo, a um recurso tecnológico cuja origem se situa em Stoneham, Massachusetts, sede da Iris Graphics.
Jack Duganne e Holbert trabalham numa imagem no Photoshop, num computador Apple Macintosh, na presença do fotógrafo de moda nova-iorquino George Holz (ao centro).
A primeira sede da Nash Editions, que se situava originalmente neste edifício pitoresco, não muito longe do aeroporto internacional de Los Angeles.
Imagens de Henry de Wilhelm, daWilhelm Imaging Research, Inc. Cedidas pela Nash Editions à Color3arte
O que é a impressão Fine Art Giclée? E qual é a sua história?
Dois funcionários da Applicon, empresa líder no setor, fundaram a Iris Graphics, Inc., criando as impressoras Iris, que rapidamente se tornaram o meio mais adequado para a reprodução de obras gráficas em diversos suportes: papel, telas, sedas, linhos e alguns têxteis. Foi muito bem recebida por especialistas em impressão, fotógrafos, artistas e até engenheiros de cor, uma vez que se tratava, sem dúvida, de uma impressora capaz de produzir imagens de alta qualidade e grande definição de cor, ao ponto de ter sido selecionada por David Coons, o engenheiro de cor da Walt Disney Company,para imprimir as novas imagens em 3D dos estúdios Disney.
Foi Coons quem redigiu o manual de impressão para trabalhos tão importantes como a série «Transformer» de Sally Larsen, publicada em 1989, e para uma exposição, em 1990, de Graham Nash, do supergrupo Crosby, Stills and Nash. Nash é um colecionador de fotografia e um fotógrafo publicado, que ficou tão impressionado com a qualidade das reproduções das suas obras apresentadas na exposição, que investiu 126 mil dólares numa impressora Iris e fundou a Nash Editions, local onde Duganne deu o nome de Giclée ao trabalho que realizavam.
As impressoras a jato de tinta Iris aplicam as imagens ciano, magenta, amarelo e preto numa única passagem, com o material de impressão fixado a um tambor que gira rapidamente. Com a tampa removida, a faixa principal da imagem impressa pelo jato de tinta ciano, que se move lentamente pela imagem da esquerda para a direita, é claramente visível. Foto 2: Frascosdas tintas à base de água utilizadas nas impressoras a jato de tinta Iris. Inicialmente concebidas para provas de artes gráficas, as tintas Iris padrão têm muito pouca estabilidade à descoloração pela luz. As tintas fabricadas com corantes que apresentam uma estabilidade à luz melhorada para aplicações de belas-artes e fotografia começaram a estar disponíveis em 1994.
Muito provavelmente, sem a ousadia desses dois funcionários da Applicon, a visão de Graham Nash e os conhecimentos de Jack Duganne, o mundo da impressão artística não seria o mesmo e, talvez, a possibilidade de obter imagens cuja nitidez e cor correspondam exatamente ao que o homem vê na sua mente antes de se atrever a transpor isso para o papel, não existiria.
Crosby, Stills & Nash (CSN) é uma supergrupo de folk rock formada pelos cantores e compositores norte-americanos David Crosby e Stephen Stills, e pelo cantor e compositor inglês Graham Nash. Quando o cantor e compositor canadiano Neil Young se junta a eles como quarto membro, passam a chamar-se Crosby, Stills, Nash & Young. Cortesia da Wikipédia
O compromisso de honrar este processo criativo está intimamente ligado aoenorme respeito que nutrimos pelos nossos clientes, na sua maioria criadores gráficos de diferentes origens, tendências e estilos, que desejam ver o seu trabalho plasmado no papel tal como o imaginaram no momento em que o criaram.A imagem é o recurso narrativo que mais provavelmente permanecerá para sempre na memória do homem. É por isso que na COLOR3ARTE estamos empenhados em preservar a história, porque estamos conscientes de que, quando não houver mais nada em que nos apoiar para superar os tempos, haverá imagens que narrarão o único que comove a memória do homem; por isso, não comprometemos a alta qualidade do nosso trabalho. Simplesmente, fazemo-lo, colocando-a acima de qualquer circunstância.
O que é a impressão Fine Art Giclée? E qual é a sua história?
Ao terminar os estudos universitários, Mateo fez a viagem da sua vida. Tinha-se tornado fotógrafo de natureza após um longo percurso que começou quando, na sua primeira comunhão, um amigo dos pais lhe ofereceu uma câmara fotográfica simples, com a qual se cansava de fotografar tudo o que lhe aparecia à vista. Agora, quando finalmente tinha obtido o diploma em Gestão, dois prémios merecidos esperavam-no: uma magnífica CANON EOS 4000 D, oferta dos pais, e uns dias no Sri Lanka, o seu sonho.
Passara o último ano dedicado, com o mesmo empenho, à preparação da viagem e à conclusão da sua carreira. Um único objetivo o movia: conseguir as melhores fotografias dos pescadores de pernas de pau do Sri Lanka, aqueles homens desengonçados em postes de madeira rudimentares, com 4 metros de altura, no Oceano Índico, a arpoar peixes para ganhar o sustento.
A viagem, tão fascinante como qualquer visita às regiões insulares da Ásia, levou-o a pensar que a felicidade era sinónimo de cada dia que passava, fotografando tudo o que encontrava pelo caminho naquela região conhecida como «a lágrima da Índia», até que, ao chegar a Unawatuna, sentiu o coração acelerar com as grandes oportunidades da vida.
Saiu dali, o maior centro de pescadores de pernas de pau do mundo, com mais de 900 fotografias de crepúsculos, pernas de pau de madeira, torsos nus açoitados pela maré, pés rachados pelo sal e peixes, talvez milhões, de peixes arpados a partir da posição impossível daqueles artesãos que ele considerava heróis.
De volta a casa, começou o árduo trabalho de selecionar e editar as horas vividas na costa asiática. Uma tarefa tão difícil que considerou impossível de realizar. Se conseguiu fazê-lo, isso deveu-se em grande parte ao facto de ter sabido que uma famosa publicação, dedicada à natureza e às viagens, estava a convocar a edição anual do seu concurso de fotografia. Um dos mais famosos do mundo.
Conseguiu-o sem saber bem como: dez imagens que narravam com uma nitidez impressionante o dia-a-dia de um desses homens endurecidos pelo mar. Eram fotografias perfeitas. Eram, como lhe disse o seu mestre, «o tipo de fotografias que deixam os editores de revistas loucos»
Mateo, sem mais delongas, leu o regulamento do concurso e preparou a sua inscrição. Excepcionalmente, as bases do concurso exigiam um ficheiro digital específico e, além disso, «estar preparado para apresentar, caso tal seja solicitado, um conjunto de cópias em papel das obras apresentadas ao concurso». Mateo estava tão certo de que o seu trabalho alcançaria posições de destaque na seleção que decidiu antecipar-se e solicitar a impressão da série enviada ao concurso por via digital.
Dirigiu-se a um estúdio de impressão Fine Art; lá, receberam o seu pedido e colocaram-no em contacto com o técnico de impressão, que queria falar com ele. Pensou que havia algum problema com o ficheiro e esperou ansiosamente pelas más notícias.
O gravador desenvolveu então o assunto. Mateo, apesar de ter passado anos a ler e a estudar sobre a arte da fotografia, admitiu desconhecer detalhes fundamentais do trabalho de um fotógrafo. Sentiu-se mais entusiasta do que nunca.
(Mateo sentiu-se intimidado quando percebeu que estavam a comparar as suas fotos com «Las Meninas» e prestou atenção) O especialista, habituado à linguagem técnica, explicou-lhe cuidadosamente que se tratava de um suporte único, composto por fibras naturais de algodão, não branqueado com cloro, que dura para sempre.
Falavam do que se designa por «absorção de tintas e pigmentos»: a camada superficial do papel fine art atinge tal nível de perfeição, devido ao seu pH neutro, que a aderência é total, contribuindo até para realçar visualmente as texturas da fotografia. Uma impressão que dura para a eternidade, como se costuma dizer no mundo das impressões fine art, sem qualquer exagero.
Enquanto conversavam, analisavam várias opções. Cada papel era mais delicado e fino do que o anterior, o que tornava quase impossível escolher um. Após várias considerações, decidiram-se por um papel Hahnemühle Rag® Baryta 315 g/m² · 100 % algodão · branco · alto brilho e deram início ao processo de impressão.
Mateo decidiu ir buscar as fotos na tarde do dia seguinte. Quando as viu, percebeu que algo tinha mudado na forma como admirava a qualidade fotográfica. Aquelas fotos em papel eram irreconhecivelmente melhores do que as suas. Certamente, pensou ele, o papel escolhido tinha realçado as inúmeras texturas e os contornos delicados que ele se tinha esforçado tanto por preservar no momento de capturar a imagem. Ficou impressionado.
O e-mail em que lhe pediam para enviar o mais rapidamente possível as fotos impressas, dada a sua condição de semifinalista no concurso, chegou algumas semanas mais tarde. Mateo leu-o várias vezes sem conseguir tirar os olhos das fotos espalhadas pelo seu quarto, protegidas como se fossem lingotes de ouro. Sentiu o coração acelerar e lembrou-se, com gratidão, da infinita gentileza daquele pescador do Ceilão que lhe tinha permitido entrar na intimidade do seu ofício. Preparou-se para embalar cuidadosamente o envio.
Dias depois, uma voz desconhecida informou-o por telefone do resultado do prémio: as suas fotografias tinham-lhe rendido uma quantia significativa, iriam integrar uma exposição num museu de Nova Iorque e ficariam para sempre no site da prestigiada publicação.
Tinha-se tornado um fotógrafo de renome.
Assim, a gratidão de Mateo incluiu, para sempre, o bom homem que o tinha convencido de que o suporte em que uma obra de arte é impressa é uma parte importante da obra; pois, inicialmente, convenceu-o de que era capaz de criar obras de arte; naquele momento, sorriu para a câmara da irmã.
A gama Natural Line ocupa um lugar muito especial na coleção Digital FineArt da Hahnemühle. Com os papéis Bamboo, Hemp e Agave, a Natural Line oferece uma coleção de papéis FineArt Inkjet produzidos a partir de matérias-primas não convencionais.
As plantas das quais se obtém a celulose para estes papéis crescem rapidamente e não requerem o uso de pesticidas no seu cultivo. Graças ao seu crescimento acelerado, são capazes de fornecer mais celulose na mesma área de plantação
do que outras culturas, além de requererem menos água do que estas. Isto permite-nos ser mais respeitosos com os recursos naturais e contribuir para a proteção do ambiente.
Os novos papéis FineArt Inkjet da gama Natural Line representam mais um passo no nosso compromisso de aumentar a nossa sustentabilidade e de sermos mais cuidadosos com os nossos recursos.
A gama Natural Line completa a linha Digital FineArt Collection com papéis fabricados a partir de matérias-primas excecionais. No âmbito da iniciativa Green Rooster, esta gama apoia vários projetos de proteção ambiental a nível regional e internacional.
Na Hahnemühle, TRADIÇÃO e RESPONSABILIDADE são palavras que se escrevem com maiúsculas. Afinal, quem produz papel há mais de 435 anos na mesma fábrica já compreendeu a importância do equilíbrio entre o artesanato e o ambiente. Hahnemühle na orla de uma reserva natural, uma realidade que nos obriga a agir com grande precaução e com um profundo sentido de responsabilidade. Por sua vez, cumprimos as rigorosas normas ambientais alemãs.
O facto de sermos a mais antiga fábrica alemã de papel artístico faz com que nos orgulhemos dos nossos produtos, que são um exemplo de qualidade, consistência, inspiração e sustentabilidade. Todo o papel produzido pela Hahnemühle a experiência dos nossos fabricantes de papel numa fábrica que conta com a inovação dos nossos engenheiros papeleiros; para o desenvolvimento de novas fibras ou tecnologias de baixo consumo energético que contribuam para uma produção respeitadora do ambiente. Desde o ano da fundação, em 1584, produzimos papel da mais alta qualidade com água pura de nascente e fibras naturais. Sem estas matérias-primas, a produção dos nossos papéis de alta qualidade seria impensável. Por este motivo, sentimo-nos especialmente comprometidos com o ambiente, pelo que assumimos a responsabilidade pelo impacto que a nossa empresa possa ter na sociedade e no ambiente. Desde 2008, a nossa iniciativa Green Rooster apoia projetos de proteção ambiental internacionais e regionais. Entre eles, incluem-se programas de reflorestação, proteção de animais e sensibilização ambiental. Estes projetos são muito importantes para nós e temos o prazer de contribuir com uma parte dos lucros da Natural Line para a proteção do ambiente e do clima. Até à data, já foram destinados mais de 220 000 € para financiar diversas iniciativas ambientais, aos quais se somam os 5 % dos lucros obtidos com o nosso papel «verde».
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