El arte de imprimir arte.

El arte de imprimir arte.

El arte de imprimir arte
El Museum of Modern Art, más conocido como MoMA, imagen Obra de Andy Warholl Imagen de dominio Público.

El arte de imprimir arte

¿Pensó acaso Alois Senefelder en lo que estaba ofreciéndole al mundo al crear,  a finales del siglo XVIII,  una forma barata de imprimir partituras y textos teatrales? Posiblemente no, aunque años más tarde supo que su invento de la litografía, terminó siendo mucho más lucrativo e interesante que aquello para lo que fue ideado originalmente y en el que tuvo poco uso.

Una mañana de julio de 1796, el dramaturgo alemán escribió con un lápiz graso, sobre una piedra pulida, la lista de la ropa que se llevaría la lavandera; al hacerlo,  recordó que durante algunos meses había intentado conseguir un método que permitiera la reproducción de una obra teatral de su autoría de la que ninguna casa editorial se hacía cargo.  Ese momento doméstico casi imperceptible, lo llevó a experimentar métodos de reproducción con base en la premisa del mal entendimiento entre la grasa y el agua,  y la técnica del grabado al aguafuerte. Así nació la litografía y así, muy pronto, los artistas, descubrieron las ventajas  del nuevo procedimiento que les permitía dibujar directamente sobre la plancha,  sin la necesidad de grabadores intermediarios.

Alois Senefelder – Art of the LithographCleveland Museum of Art Imagenes de dominio publico.
El arte de imprimir arte

En el siglo XIX, artistas como Goya, Daumier, Delacroix, Eduard Munch, Matisse ,Braque , Picasso,Toulouse-Lautrec, Alphonse Mucha o Andy Warhol hicieron que la litografía llegara al más alto nivel de expresión y calidad artística.

El arte de reproducir arte
Francisco José de Goya y Lucientes Imagen de dominio Público
El arte de imprimir arte
Delacroix, Eduard Munch,Toulouse-Lautrec, Alphonse Mucha imagenes de dominio público

Sin embargo, no es sino hasta mediados del siglo XX cuando el mundo del arte se enfrenta seriamente al arte de imprimir arte. Paris y Berlín empiezan a dar a conocer  un concepto tan nuevo como modernizador que en principio se conoce como la nueva estampa; o lo que es lo mismo,  el arte de estampar nuevas formas,  en lo que el mundo conoce ahora como grabados y,  cambian para siempre la faz del arte impreso.

Eran tiempos en los que el dibujo reinaba; por lo tanto, dominaban el trabajo aquellos grabados de contorno que bien se hacían a buril, al aguafuerte o como grabado en madera, muy practicado por los expresionistas alemanes del grupo Die Brücke,  expertos en la imagen del hombre.

Era la respuesta lógica de las entonces conocidas como “primeras vanguardias” en las que se dejaba en evidencia  que,  el artista tenia inclinación a mejorar y seguir evolucionando en su visión de las imágenes,  mediante una búsqueda que incluía herramientas, equipos y dominio tecnológico para dar la mejor fundamentación y soporte a las propuestas con las que anhelaban llenar sus expectativas. El resultado fue mejorar la técnica  y,  con ello,  encontrar nuevos materiales para perfeccionar un producto que, para beneficio de la humanidad,  constituye legado invalorable atesorado en los grandes museos del mundo gracias a que ha podido imprimirse y conservarse, mediante la utilización de diversas técnicas,  No se trata de obras originales,  por supuesto; pero, algunas tienen un valor casi incalculable.

Vollard Suite, two sprecial exhibitions: Picasso in Canada and Picasso: Man & Beast. The Vollard Suite of Prints. Winnipeg Art Gallery, Manitoba (2017)   Imagen de dominio publico.

Tal es el caso de la Suite Vollard, un conjunto de 100 grabados de Picasso considerados los más importantes del arte moderno, del que se hicieron unos 300 juegos y sobreviven completos, tal vez,  menos de 20. En el mundo, solo 10 museos poseen la colección entera; el último en adquirirla, el British Museum,  pagó por el conjunto de obras cerca de un millón de libras esterlinas en el año 2011.

Imprimir arte, un proceso en varios nombres

El proceso artístico de creación y elaboración de diseños,  utilizando un medio y su posterior transferencia a un sustrato,  ha atravesado por diferentes procesos que lo han hecho cada vez más preciso y exigente, diversificándolo  para satisfacer específicas necesidades.

 

Serigrafía

Es posiblemente la técnica más antigua de impresión, aunque no sea necesariamente utilizada para reproducir una obra existente. Usualmente, la serigrafía se usa para crear una imagen final específica que se reproduce casi idéntica varias veces. Se conoce desde el año 960 d.C y se cree fue inventada por la dinastía china Song.  La técnica sigue vigente y se utiliza como medio expresivo para las Artes Gráficas.

Wang Juzheng (Song), The Spinning Wheel  Imagen de dominio público.

Litografía

Se considera una técnica autónoma de impresión artística y se usa para  multiplicar un dibujo en versión impresa,  empleando piedra o una plancha metálica para estampar directamente sobre papel, la obra realizada por el artista.  Se utilizan tintas con base de aceite en planchas que se presionan sobre papel; cada plancha ofrece una cantidad limitada de copias.  Si la calidad de impresión es sobresaliente y solamente se ha realizado una reducida cantidad de ediciones, tiene un valor significativo.

Stone used for lithography print with a Princeton University motif. Collection: Princeton University Library. Princeton University; Princeton, NJ. Imagen de dominio público.

Reproducción Fotomecánica

Es el proceso de generar una imagen fotográfica que se imprime con tinta sobre papel y no sobre un material fotosensible. Esencialmente,  y aunque el término es muy amplio, cualquier obra de arte copiada por medios fotomecánicos es una reproducción. Puede considerarse un primer paso previo al paso a la era digital desde el formato analógico.  En el lenguaje de la reproducción fotomecánica se conocen varios procesos, a saber, la pre-prensa, o fotomecánica, que dio paso a la utilización de grandes maquinas impresoras y cámaras especiales que separaban colores, la impresión offset que utilizaba un sistema de tres cilindros mejorando la calidad de impresión y variedad de otras técnicas como flexografía, huecograbado y grabado en madera.

 Impresión fotomecánica Imagen de dominio público.

Impresión Giclée o Fine Art

Es la impresión de más alta calidad, que se crea a partir de un archivo digital gracias a complejas impresoras de inyección de tinta que logran impresiones con contrastes de inmensa profundidad, gran intensidad en los colores y excelente resolución.

Una obra impresa mediante la técnica Giclée puede durar inalterable por más de 100 años, siendo la técnica preferida de ilustradores, fotógrafos artísticos y,  en general, conocedores de arte que,  tal como hemos podido experimentar en nuestro estudio de COLOR3ARTE,  disfrutan  no solo de los magníficos resultados sino de nuestro gusto por  trabajar en el arte de imprimir arte.

Qué es la impresión Fine Art Giclèe y Cuál es su historia.

Qué es la impresión Fine Art Giclèe y Cuál es su historia.

Historia de la Impresión Giclèe

Qué es la impresión Fine Art Giclèe y Cuál es su historia.

 Imágenes de Henry de Wilhelm de Wilhelm Imaging Research, Inc. Cedidas por Nash Editions para Color3arte .

¿Qué es la impresión Fine Art Giclèe?

El mundo de la impresión de imágenes ha ido transformando sus formas de manera drástica desde que, en 1991 apareció por vez primera el término Giclèe para denominar lo que se conoce también como impresiones fine art.  Todo un concepto innovador en el que se relacionan de manera absolutamente perfecta la tecnología, el talento humano y recursos de altísima calidad para producir obras de arte.

Giclèe, un término francés

Giclèe, término francés que se pronuncia «yiclé», es una técnica de impresión de imágenes cuyo nombre proviene del verbo glicer, es decir, rociar. Consiste en verter el pigmento en forma de microscópicas gotas,  pulverizadas sobre el lienzo o el papel de manera continua tal y como funciona un rociador aerosol a alta presión. 

A diferencia de lo que ocurre con la mayoría de las impresoras de tinta continua, que sueltan cantidades reguladas de tinta solo cuando son necesarias,  en el proceso Giclèe de impresión,  la tinta se agrega al soporte de forma milimétrica y bajo alta presión,  gracias a un sistema de vibración con piezas de cristal piezoeléctrico. En ese proceso,  las gotas de tinta reciben una carga eléctrica específica de modo que,  aquellas que no se necesitan,  son descartadas de manera electrostática hacia un sistema de recolección de desperdicios que no interfiere con el trabajo de impresión.

Ese sistema que, como todo lo tecnológico, requiere una precisión que parece milagrosa, obtiene reproducciones que son de una nitidez imposible de pensar bajo otro patrón de trabajo. De ahí que sea tan preciado como método de impresión. Gracias al uso de tintas y papeles especiales,  propios de la técnica, las impresiones fine art están garantizadas para perdurar casi eternamente. 

Las maravillas del Giclèe

Una de las maravillas del Giclèe es su idoneidad para capturar los precisos detalles de las formas. Aunque se aúnen otros medios para ello, sin la técnica de impresión fine art, ciertos bordes, tramas y patrones que definen la imagen, no pasarían al papel de forma tan precisa y,  el tono continuo, sobre todo en tonalidades grises o difuminadas, no sería tan exacto.

Además, fine art es un término directamente asociado a papeles de altísima calidad. No se trata de una etiqueta vacía; el papel sobre el que se trabaja en impresión fine art tiene que responder a criterios de calidad muy propios y muy específicos. Hablamos de papeles cuya composición difiere bastante del papel fotográfico normal; está formado por fibras naturales, mayormente algodón o alfacelulosa, no se ha blanqueado artificialmente con cloro,  posee un PH neutro y un tratamiento especial que es lo que garantiza la permanencia de la impresión.

Historia de la Impresión Giclèe

Qué es la impresión Fine Art Giclèe y Cuál es su historia.

 

Un pionero en el uso de impresoras de inyección de tinta en color de alta resolución en el campo de las bellas artes es Nash Editions. Ubicado cerca de Los Ángeles en Manattan Beach, California, Nash Editions fue fundada por el británico Graham Nash del legendario grupo de rock de los años 60 Crosby, Stills, Nash & Young. Nash, un gran fotógrafo y coleccionista, se sintió atraído por el proceso de inyección de tinta como un medio para imprimir fotografías que había escaneado y trabajado con el software Adobe Photoshop en su computadora Apple Macintosh. Aquí se muestran los miembros del personal de Nash Editions (de izquierda a derecha) Jack Duganne, R. Mac Holbert y Graham Nash. Esta fotografía y las fotografías de la página siguiente fueron tomadas por el autor durante una visita a Nash Editions en febrero de 1992, poco más de seis meses después de su apertura comercial. <www.nasheditions.com>

Historia de la impresión Giclèe

Jack Duganne, experto en el área de impresiones y jefe del departamento de Fine Arts de Nash Editors, creo el neologismo Giclèe para denominar esta peculiar forma de imprimir imágenes. En 1991, se dio cuenta que hacía falta diferenciar perfectamente los tipos de impresión que se manejaban a partir de las famosas impresoras Iris, que ya habían acuñado el término Iris Proof para un tipo de impresión de alta calidad, que se consideraba en realidad una prueba de imprenta, antes de que el trabajo fuera ordenado de forma masiva.

Giclèe

Este conocido método de imprenta, tenía el inconveniente de parecer un sistema demasiado industrial, poco apegado a la conciencia del método,  si se quiere artesanal; pero,  de alta gama,  que exigían los artistas,  fotógrafos y creadores gráficos del momento.

Para lograr esa diferenciación y acceder a las exigencias de mercadeo de la técnica, Duganne partió del verbo glicer para dar con una palabra que diferenciara su trabajo,  del trabajo industrial de impresión en bloque. Se debía, sobre todo, a un recurso tecnológico cuya génesis está en Stoneham, Massachusetts, sede de Iris Graphics.

 

Historia de la Impresión Giclèe

Jack Duganne y Holbert trabajan en una imagen usando Photoshop que se ejecuta en una computadora Apple Macintosh con el fotógrafo de moda de la ciudad de Nueva York, George Holz (centro).

Historia de la Impresión Giclèe

Primera sede de Nash Editions que se encontraba originalmente en este pintoresco edificio, no lejos del aeropuerto internacional de Los Ángeles.

Imagenes de Henry de Wilhelm de Wilhelm Imaging Research, Inc. Cedidas por Nash Editions para Color3arte .

Que es la impresión Fine Art Giclèe? y Cual es su historia

A mediados de los años 80

Dos empleados de Applicon, la empresa líder en el área, crearon Iris Graphics, Inc., y en ella sus impresoras Iris, las cuales rápidamente se convirtieron en el medio más indicado para la reproducción de obras gráficas sobre diferentes soportes: papel, lienzos, sedas, linos y algunos textiles. Fue muy bien acogido por especialistas en impresiones, fotógrafos, artistas e incluso ingenieros de color, ya que ciertamente estaban ante una impresora capaz de producir imágenes de alta calidad y gran definición de color, al punto de que fue seleccionada por David Coons, el ingeniero de color de Walt Disney Company,  para imprimir las nuevas imágenes en 3D de los estudios Disney.

Un Dato Interesante

Fue Coons quien escribió el manual de impresión para trabajos tan importantes como la serie de Sally Larsen “Transformer” editada en 1989 y para una exposición, en 1990, de Graham Nash de súper grupo Crosby, Stills and Nash. Nash es un coleccionista de fotografía y un fotógrafo publicado, quien quedó tan impresionado con la calidad de las reproducciones de sus obras presentadas en la exposición,  que invirtió 126 mil dólares en una impresora Iris y fundó Nash Editions, lugar en el que Duganne dio el nombre de Giclèe al trabajo que hacían.

Iris Printer
Historia de la Impresión Giclèe

Las impresoras de inyección de tinta Iris colocan las imágenes cian, magenta, amarilla y negra en una sola pasada con el material de impresión unido a un tambor que gira rápidamente. Con la cubierta quitada, la banda principal de la imagen impresa por el chorro de tinta cian, que se mueve lentamente a través de la imagen de izquierda a derecha, es claramente visible. Foto2: Botellas de las tintas a base de agua empleadas en las impresoras de chorro de tinta Iris. Inicialmente diseñadas para pruebas de artes gráficas, las tintas Iris estándar tienen muy poca estabilidad al  desvanecimiento por luz. Las tintas hechas con tintes que tienen una estabilidad a la luz mejorada para aplicaciones de bellas artes y fotografía comenzaron a estar disponibles en 1994.

 

Muy probablemente, sin el riesgo de esos dos empleados de Applicon, la visión de Graham Nash y los conocimientos de Jack Duganne, el mundo de las impresiones fine art no sería el mismo y quizás, la posibilidad de contar con imágenes cuya nitidez y color sean exactamente los que el hombre ve en su mente antes de atreverse a plasmarlo en papel, no existiría.

 

Historia de la Impresión Giclèe

Crosby, Stills & Nash (CSN) son un supergrupo de folk rock formado por los cantautores estadounidenses David Crosby y Stephen Stills, y el cantautor inglés Graham Nash. Cuando se les une el cantante y compositor canadiense Neil Young como cuarto miembro, se llaman Crosby, Stills, Nash & Young Cortesia Wikipedia

En COLOR3ARTE

El compromiso de honrar este proceso creativo está estrechamente ligado al  enorme respeto que sentimos por nuestros clientes, en su mayoría creadores gráficos de diferentes orígene, tendencias y estilos que desean ver su obra plasmada en papel tal y como la vieron en sus mentes en el momento de crearla.  La imagen es el recurso narrativo que más probablemente permanezca en la memoria del hombre por siempre. Es por esto que en COLOR3ARTE estamos comprometidos a preservar la historia,  porque somos conscientes de que cuando no haya más en que apoyarse para sobrellevar los tiempos, habrá imágenes que narren lo único que conmueve el recuerdo del hombre; por eso, no negociamos la alta calidad de nuestro trabajo.  Sencillamente,  lo hacemos anteponiéndolo a cualquier circunstancia.

Que es la impresión Fine Art Giclèe? y Cual es su historia

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El Jardín de las delicias

El jardín de las delicias

Para bien y para mal, El Jardín de las delicias se ha convertido en una de las obras más importantes y enigmáticas de la humanidad.  Es una de las 15 pinturas más influyentes de la historia del arte y es la única del renacimiento nórdico que alcanza esa fama, a pesar de no ser, expresamente, una obra con motivos religiosos.

Se cree que fue pintado entre los años 1490 y 1500 y no hay duda alguna acerca de su autoría. Aunque no está firmada y no existe ningún soporte literario que lo demuestre, es una obra realizada por el holandés Jheronimus Bosch – conocido como El Bosco –  por expreso encargo de Engelbrecht II de Nassau como ornamento para el Palacio de Coudenberg en Bruselas.

A partir de ahí, solo existen conjeturas. El enorme tríptico de 220 × 389 cm, compuesto de una tabla central de 220 cm × 195 cm y dos laterales de 220 cm × 97 cm cada una,  pintadas por ambos lados que cierran sobre la tabla central,  para contar una historia cuya conclusión, varios siglos después,  no existe; puede que encierre el verdadero legado del autor: enredar deliberadamente los símbolos de una época para confundir a todas las siguientes.

Una lectura aproximada en la historia

Cerrado, el tríptico representa, en grisalla,  el tercer día de la Creación del mundo, cuando se separaron las aguas de la tierra y se creó el Paraíso terrenal. Arriba, a la izquierda, aparece Dios Padre como Creador, según indican dos inscripciones en latín, una en cada tabla: Él mismo lo dijo y todo fue hecho; Él mismo lo ordenó y todo fue creado (Salmos 33, 9 y 148, 5).

El cuadro se abre y se lee como un libro,  de izquierda a derecha,  a lo largo de tres paneles, realizados en brillantes colores contrastantes con la grisalla, que describen tres escenas cuyo denominador común se cree es el pecado: se crea en el Paraíso, (panel izquierdo) se desarrolla ampliamente en el panel central y se castiga en el tercer panel,  a la derecha. O por lo menos eso es lo que sus estudiosos han establecido a partir de sus interpretaciones,  ya que se desconoce el título, si alguna vez tuvo alguno. Si se supiera cómo se llama,  quizá fuera algo más sencillo descifrarlo; pues el sentido, tanto general como de cada detalle, podría ser interpretado a partir de un título dado por el autor,  si este fuera descriptivo.

 

Detalles que revelan los secretos de la pintura

La única certeza

En el panel de la izquierda, el primero, la escena transcurre en El Paraíso terrenal;  si la intención era moralizante y religiosa o,  si al contario, tenia dejos satánicos o esotéricos, nadie tiene duda alguna en que los tres personajes están claramente definidos: el de barba es Dios, el hombre es Adán y la mujer es Eva.

El paraíso engañoso

La tabla central parece una continuación de la idílica escena descrita en el panel izquierdo en la que Dios presenta a Adán y Eva y sugiere la orden bíblica de “creced y multiplicaos”, tiene un paisaje unificado,  dotado de una línea de horizonte muy elevada que beneficia el amplio desarrollo de la composición, distribuida en tres planos superpuestos, repetido a lo largo de las tres tablas que lo conforman.

Sin embargo, este panel central representa el mayor desorden. El hombre conoce la lujuria y empieza a irle mal al saborear los placeres. Aunque nadie sabe qué quiso decir Bosco, la advertencia parece clara cuando se lee el tercer panel.

Los animales desconocidos

Aunque no hay referencias concretas, siempre ha llamado mucho la atención los animales “exóticos” del panel central que rodean la fuente de la vida; pues, es imposible que los haya visto, África aun no existía para los europeos. Se presume que los copió de los cuadernos de viaje de Cyriacus d’Ancona, el padre de la arqueología moderna.

La pista de la piña

En el panel central,  El Bosco pintó una piña, fruta desconocida para la época, traída por Cristóbal Colon de sus viajes a América y rápidamente popularizada. A diferencia de los animales mitológicos que Bosco pudo haberse copiado,  era imposible que la piña estuviera a su alcance. Entonces, si él no inventó la piña, el cuadro fue pintado después de 1492.

El acecho del demonio

Muy a menudo se repite, en el panel central,  la imagen del búho. En el siglo XV este animal representaba al mal, significaba una presencia demoníaca ante la cual el ser humano debía estar alerta. El Bosco lo entendió mucho antes que todos nosotros

 

Tres detalles técnicos.

El roble que lo soporta

Aunque el estudio dendrocronológico ayuda bastante a establecerle fecha de origen, se presume que las tablas de roble sobre las que se pintó estuvieron cerca de 50 años guardadas en proceso de secado y que a esa circunstancia se le debe su tamaño descomunal.

¿La primera impresión fine art de la historia?

La obra del Bosco, en general, se conserva en muy buen estado. Se debe a que los pintores de la época, en especial Jan Van Eyck y El Bosco usaron aglutinantes para mejorar la calidad de las pinturas al óleo,  logrando una mejor adhesión de los pigmentos. Como si se tratara de una impresión Giclée, mejoraron las tintas y los soportes y eso influye notablemente en sus más de 500 años de existencia.

El placer de no ser interpretado

Por años, El Jardín de las delicias  ha escapado a todo análisis y es tan solo una obra que despierta emociones insuperables, pintado para desafiar – de manera deliberada – todo intento de interpretación.

Erwin Panofsky, uno de los más famosos historiadores de arte, dice en su libro, Los primitivos flamencos

  • Pese a todas las investigaciones, no puedo evitar sentir que el verdadero secreto de las pesadillas magníficas de El Bosco no han logrado revelarse; tan solo hemos abierto algunos agujeros en la puerta de una habitación cerrada, pero, de alguna manera parece que no hemos descubierto la llave

En COLOR3ARTE sabemos que no la descubriremos nosotros; pero, la idea de trabajar con secciones de esta obra fascinante ha estado en nuestros planes desde el principio, ahora, con las distancias y el respeto debido,  nos atrevemos a lanzar una colección de detalles de la obra, impresos en técnica Giclée y papeles de extrema calidad para acercarte a la magnífica belleza de esta obra porque,  después de todo, imprimir fine art consiste en trabajar con lo mejor del arte y ponerlo a tu alcance.

Ediciones Limitadas de Arte Gráfico y fotográfico.

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¡Hola a todos!

En Color3arte® estamos emocionados de anunciar el lanzamiento de nuestra nueva página web: Fineartprints.es. Este nuevo sitio está dedicado a la comercialización de ediciones limitadas de obras gráficas y fotográficas de alta calidad.

Fineartprints.es es una extensión natural de nuestra galería y estudio de impresión, que lleva 8 años destacándose en el mundo de la impresión artística giclée. Nuestro enfoque se centra en artistas internacionales y en las diversas facetas del arte gráfico contemporáneo, con una curaduría meticulosa que garantiza la relevancia y el significado de cada pieza.

Cada obra que ofrecemos en Fineartprints.es se imprime utilizando tintas pigmentadas minerales sobre papeles Fine Art veganos de Hahnemühle, asegurando autenticidad y exclusividad con un holograma numerado y un certificado especial. Además, brindamos a los artistas una plataforma integral para mostrar y vender su arte, incluyendo promoción en nuestro sitio web, en nuestra galería física en Oviedo y en otros medios digitales.

Te invitamos a visitar Fineartprints.es, descubrir a nuestros talentosos artistas y sumergirte en el vibrante mundo del arte gráfico contemporáneo. ¡No te pierdas las emocionantes novedades que tenemos preparadas para ti!

¡Gracias por tu apoyo continuo y esperamos verte pronto en nuestra nueva página!

Saludos, El equipo de Color3arte®

Impresión Giclèe sobre papeles y lienzos  Fine Art

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Papeles Fine Art de Hahnemühle. Todo lo que querías preguntar.

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Papeles de Hahnemühle

Inteligencia artificial avanzada basada en la tecnología de ChatGPT, orientada específicamente al asesoramiento sobre la impresión giclée en papeles Fine Art de Hahnemühle.

Color3arte anuncia la implementación de una IA especializada en papeles Fine Art de Hahnemühle
En una emocionante noticia para el mundo del arte y la fotografía, Color3arte® ha revelado que está en proceso de entrenar una inteligencia artificial avanzada basada en la tecnología de ChatGPT, orientada específicamente al asesoramiento sobre la impresión giclée en papeles Fine Art de Hahnemühle. Este proyecto innovador tiene como objetivo ayudar a artistas y fotógrafos a seleccionar el papel más adecuado para sus obras, teniendo en cuenta factores esenciales como la textura, el brillo y otras características que son cruciales para optimizar la calidad y expresión artística de las impresiones.
El desarrollo de esta IA se encuentra en una fase inicial, y se espera que requiera un breve período de ajustes y afinamiento. Sin embargo, Color3arte® está confiado en que el modelo será una herramienta extremadamente útil para la comunidad artística. «Entendemos que la elección del papel correcto es una decisión fundamental que puede transformar completamente la apariencia de una obra de arte o fotografía». «Con esta nueva IA, queremos facilitar que nuestros clientes hagan exactamente eso, asegurando que cada impresión refleje fielmente su visión original.»
Este modelo GPT especializado no solo ofrecerá recomendaciones personalizadas sobre el tipo de papel más adecuado para cada proyecto, sino que también proporcionará información detallada sobre cómo las distintas características de los papeles de Hahnemühle pueden influir en los resultados finales de las impresiones.
Acceso Exclusivo para Suscriptores de Pago de chat GPT
En esta etapa inicial, el acceso a la IA especializada estará disponible exclusivamente para los suscriptores de pago de ChatGPT de Color3arte®. Esto permitirá a los usuarios más comprometidos con la plataforma obtener un beneficio adicional y aprovechar al máximo esta herramienta avanzada.
El lanzamiento de esta herramienta de IA promete ser un valioso recurso para los artistas y fotógrafos que buscan perfeccionar sus técnicas de impresión y elevar la calidad de sus trabajos al máximo nivel. Con el respaldo de la tecnología de inteligencia artificial de ChatGPT, Color3arte® está marcando un hito importante en la intersección de la tecnología y el arte.
Color3arte® es un líder reconocido en la industria de las impresiones de alta calidad y ha estado a la vanguardia de la innovación en el campo del arte digital y fotográfico. Con un compromiso inquebrantable con la calidad y la satisfacción del cliente, Color3arte® continúa explorando nuevas tecnologías para mejorar sus servicios y productos.

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Color3arte en ARCO

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Casa de América brilla en ARCOmadrid 2024 con Exposición Única de Fotografía Dominicana

En este año destacado, la Casa de América se enorgullece de presentar en ARCOmadrid 2024 la exposición «Reinvenciones: la ubicuidad de las identidades en lo fotográfico desde el Caribe». Para nosotros, ha sido un placer y a la vez una enorme responsabilidad llevar a cabo la impresión de las obras expuestas, un proceso que hemos realizado con la máxima dedicación y cuidado. Cada imagen ha sido impresa utilizando la técnica giclée, reconocida por su alta fidelidad y durabilidad, sobre papeles fotográficos de Hahnemühle, líderes en calidad. Esta elección no solo garantiza la preservación de la riqueza cromática y los detalles más sutiles de cada fotografía, sino que también refleja nuestro compromiso con la excelencia y la sostenibilidad en la presentación artística. Estamos convencidos de que esta meticulosa atención al detalle enriquecerá aún más la experiencia visual de los asistentes, permitiéndoles apreciar la profundidad y la belleza de la vida caribeña capturada por nuestros talentosos artistas.

Este año, la Casa de América se destaca en ARCOmadrid 2024, uno de los eventos artísticos más esperados, presentando una fascinante exposición titulada «Reinvenciones: la ubicuidad de las identidades en lo fotográfico desde el Caribe». Esta muestra promete llevar a los visitantes a un viaje visual a través de la riqueza y complejidad de las identidades caribeñas, capturadas magistralmente en el arte fotográfico.

¿Cuándo y Dónde?
La exposición estará abierta al público hasta el 23 de marzo, ofreciendo a los amantes del arte una oportunidad única para explorar una selección curada de fotografía dominicana. Esta iniciativa de la Casa de América no solo enriquece la programación de ARCOmadrid 2024, sino que también subraya la importancia de la diversidad cultural y la expresión artística en la región caribeña.

Una Celebración de Identidades
«Reinvenciones» es más que una exposición; es una celebración de la multiplicidad de identidades que coexisten y se expresan a través de la fotografía. Los artistas presentados en esta colección utilizan el lente para explorar y cuestionar las percepciones de identidad, cultura y espacio, invitando a los espectadores a una reflexión profunda sobre estos temas.

Una Invitación a la Exploración
Invitamos a todos, desde aficionados del arte hasta profesionales del sector, a sumergirse en esta experiencia única. La exposición «Reinvenciones» no solo es una ventana a la fotografía dominicana contemporánea, sino también un espejo de la complejidad y belleza de la vida caribeña a través de sus imágenes poderosas y evocadoras.

La Casa de América y ARCOmadrid 2024 te esperan para compartir una jornada llena de arte, cultura y diálogo. No pierdas la oportunidad de ser parte de esta experiencia inolvidable.

Guía de papeles Hahnemühle para principiantes.

Tabla de Selección de Papel para Artes Visuales

Papel Gramaje Composición Uso Recomendado Acabado/Textura Características Principales
Photo Rag® Matt Baryta 308 g/m² 100% algodón Fotografía a Color Mate, fino y discreto Negros profundos, reproducción de colores vivos
Rice Paper 100 g/m² 100% α-celulosa Ilustración, Acuarela Ligeramente texturizado Sutiles líneas de agua, suave al tacto
Photo Rag® 188, 308, 500 g/m² 100% algodón Fotografía en Blanco y Negro, Arte Texturizado, fieltro Estructura ligeramente acentuada, profunda
Photo Rag® Ultra Smooth 305 g/m² 100% algodón Fotografía a Color, Arte Ultra liso Suavidad, detalle fino, reproducción de color
Photo Rag® Bright White 310 g/m² 100% algodón Fotografía a Color Fieltro suave Alta blancura, reproducción de contraste
William Turner 190, 310 g/m² 100% algodón Ilustración, Acuarela Textura de acuarela Pronunciada y sutil, efecto artístico
Albrecht Dürer 210 g/m² 50% algodón, 50% α-celulosa Ilustración, Acuarela Textura acuarela clásica Ideal para reproducciones artísticas
Torchon 285 g/m² 100% α-celulosa Pintura, Arte Gráfico Textura gruesa Colores brillantes, sensación táctil única
German Etching 310 g/m² 100% α-celulosa Fotografía en Blanco y Negro Texturizado, delicado Tridimensionalidad, profundidad de negro
Museum Etching 350 g/m² 100% algodón Pintura, Arte Gráfico Textura de fieltro fino Profundidad y tridimensionalidad adicional
Photo Rag® Metallic 340 g/m² 100% algodón Fotografía a Color, Arte Gráfico Metálico, brillo Efecto metálico plateado, colores luminosos
FineArt Pearl 285 g/m² 100% α-celulosa Fotografía a Color Perlado, texturizado Reproducción de calidad, efecto de brillo perlado
FineArt Baryta Satin 300 g/m² 100% α-celulosa Fotografía a Color Satinado Brillo satinado, colores intensos
Photo Rag® Satin 310 g/m² 100% algodón Fotografía a Color Satinado mate Efecto de brillo único, contraste y profundidad
Photo Rag® Baryta 315 g/m² 100% algodón Fotografía en Blanco y Negro Alto brillo Reproducción de color y detalle excelentes
Photo Rag® Pearl 320 g/m² 100% algodón Fotografía a Color Perlado, texturizado Colores vivos, detalles precisos
FineArt Baryta 325 g/m² 100% α-celulosa Fotografía a Color Alto brillo Reproducción de colores y detalles, tridimensionalidad
Baryta FB 350 g/m² 100% α-celulosa Fotografía a Color Alto brillo Superficie extra lisa, profundidad de negro
Tabla de Papeles
Nombre del Papel Gramaje Composición Color Resumen de la Descripción Conformidad con ISO 9706 Textura Libre de Ácido y Lignina Recomendado Para Característica Principal
Photo Rag® Matt Baryta 308 g/m² 100% algodón Blanco Papel mate baritado, libre de blanqueadores ópticos, superficie fina y discreta, excelente reproducción de colores y negros profundos. Muy fina y discreta Fotografía Negros profundos, brillo sutil
Rice Paper 100 g/m² 100% α-celulosa Blanco Ligero, ligeramente texturizado, sin blanqueadores ópticos, excelente para bellas artes y reproducción de documentos. Ligeramente texturizado Bellas artes Textura sutil, reproducción fiel
Photo Rag® 188, 308, 500 g/m² 100% algodón Blanco Suave, estructura de fieltro ligeramente acentuada, ideal para impresiones de gran calidad y profundidad de imagen. Fieltro ligeramente acentuado Fotografía, Arte Tridimensionalidad, profundidad
Photo Rag® Ultra Smooth 305 g/m² 100% algodón Blanco Superficie finamente texturizada, suave al tacto, excelente reproducción de colores y negros, versátil. Muy finamente texturizada Fotografía, Arte Suavidad, detalle fino
Photo Rag® Bright White 310 g/m² 100% algodón Blanco claro Estructura de fieltro, alta blancura, excelente para reproducción de contrastes y profundidad. Fieltro ligeramente acentuado Fotografía, Arte Alta blancura, contrastes
William Turner 190 · 310 g/m² 100% algodón Blanco Papel de acuarela con textura de fieltro, óptimo para impresiones FineArt y reproducciones artísticas. Textura de fieltro pronunciada y sutil Arte Textura de acuarela, reproducción artística
Albrecht Dürer 210 g/m² 50% algodón, 50% α-celulosa Blanco Papel tradicional de molde cilíndrico, textura acuarela, ideal para reproducciones de arte. Textura acuarela clásica Arte Textura clásica de acuarela
Torchon 285 g/m² 100% α-celulosa Blanco brillante Textura de fieltro marcada, excelente para impresiones FineArt con colores brillantes y detalles nítidos. Textura gruesa de fieltro Arte Textura marcada, colores brillantes
German Etching 310 g/m² 100% α-celulosa Blanco Papel de grabado con textura aterciopelada, ideal para impresiones con tridimensionalidad y profundidad. Textura de fieltro pronunciada y sutil Arte Textura delicada, contraste
Museum Etching 350 g/m² 100% algodón Blanco natural Papel voluminoso con textura de fieltro, ideal para reproducciones de fotografías y obras de arte. Textura de fieltro fino Fotografía, Arte Volumen y textura, reproducción de arte
Photo Rag® Metallic 340 g/m² 100% algodón Blanco natural Acabado metálico de alto brillo, ideal para fotografías con elementos metálicos y reflejos. Textura de superficie noble Fotografía, Arte Efecto metálico, brillo plateado
FineArt Pearl 285 g/m² 100% α-celulosa Blanco claro Superficie ligeramente texturizada con brillo perlado, ideal para reproducciones fotográficas de alta calidad. Superficie ligeramente texturizada Fotografía Brillo perlado, reproducción de calidad
FineArt Baryta Satin 300 g/m² 100% α-celulosa Blanco Textura leve, brillo satinado, ideal para impresiones FineArt de fotografías en blanco y negro y en color. Superficie levemente texturizada Fotografía Brillo satinado, reproducción fotográfica
Photo Rag® Satin 310 g/m² 100% algodón Blanco Superficie clásica Photo Rag® con leve marca de fieltro, capa inkjet de brillo satinado mate. Marca de fieltro leve Fotografía, Arte Contrastes y profundidad, brillo suave
Photo Rag® Baryta 315 g/m² 100% algodón Blanco Superficie levemente texturizada con alto brillo, ideal para impresiones FineArt expresivas. Superficie elegante, ligeramente texturizada Fotografía, Arte Alto brillo, reproducción expresiva
Photo Rag® Pearl 320 g/m² 100% algodón Blanco natural Textura ligeramente texturizada con brillo perlado, excelente reproducción de colores y detalles. Superficie ligeramente texturizada Fotografía, Arte Brillo perlado, colores vivos
FineArt Baryta 325 g/m² 100% α-celulosa Blanco claro Estructura de superficie elegante con alto brillo, ideal para impresiones con tridimensionalidad y profundidad. Elegante estructura de superficie Fotografía, Arte Alto brillo, tridimensionalidad
Baryta FB 350 g/m² 100% α-celulosa Blanco claro Superficie lisa con alto brillo, perfecto para fotografías en color y reproducciones en blanco y negro. Superficie lisa, textura muy leve Fotografía Alto brillo, superficie extra lisa
Selector de Papeles

Selector de Papeles

Nombre del Papel Gramaje Composición Color Resumen de la Descripción Conformidad con ISO 9706 Textura Libre de Ácido y Lignina Recomendado Para Característica Principal

El Museo de Bellas Artes de Asturias Incorpora Obras de Juan Falcón en su Colección Permanente impresas en Color3arte.

El Museo de Bellas Artes de Asturias Incorpora Obras de Juan Falcón en su Colección Permanente impresas en Color3arte.

Con la reciente adquisición de tres obras del destacado artista Juan Falcón, el Museo de Bellas Artes de Asturias ha reafirmado su compromiso con el arte contemporáneo regional. Esta incorporación, que marca la entrada de Falcón en la prestigiosa colección permanente de la institución, no solo resalta la creciente relevancia del artista en el ámbito artístico, sino que también simboliza el apoyo del museo hacia el talento local.

 

La Feria de Arte en Oviedo, conocida por ser una vitrina destacada de la producción artística regional, ha jugado un papel crucial en este logro. En este espacio, que se caracteriza por su ambiente festivo y compacto, se ha podido apreciar la evolución del arte contemporáneo, donde la tecnología y lo lírico se fusionan de manera inigualable. El arte de Falcón, con su vibrante colorido pop típico de la Era Digital, invita a los espectadores a un viaje de ensueño, transformando objetos cotidianos en mitos a través de una mirada profunda y exploradora, reminiscente de las obras de Julio Cortázar en París.

Un aspecto destacado de estas obras de Juan Falcón es su excepcional calidad de impresión, realizada en los talleres de Color3arte, conocidos por su especialización en la técnica de impresión fine art giclée. Esta técnica, reconocida por su alta fidelidad y durabilidad, ha permitido que las obras de Falcón no solo capturen la atención por su contenido artístico sino también por su impresionante calidad visual. La precisión y el cuidado en cada detalle de la impresión reflejan el compromiso de Color3arte con la excelencia, y esta colaboración ha sido crucial para presentar las obras de Falcón con la mayor calidad posible, tanto en la Feria de Arte en Oviedo como ahora en su permanente hogar en el Museo de Bellas Artes de Asturias.

La presencia de las obras de Juan Falcón en la Feria de Arte en Oviedo y su inclusión en el Museo de Bellas Artes de Asturias son un claro testimonio del esfuerzo conjunto de Falcón Gallery Studio y la Galería Color3arte. Esta colaboración ha sido crucial para la presentación y promoción de su trabajo, reconociendo así su dedicación y talento artístico. Tanto en la feria como en el museo, el trabajo de Falcón, presentado por estas dos entidades, ha recibido una merecida atención y aprecio

Desde Color3arte, queremos expresar nuestra gratitud a Juan Falcón García por confiar en nosotros para presentar su obra.  Este logro no solo celebra el arte de Falcón sino que también reconoce la calidad y el esfuerzo del equipo de Color3arte en promover y apoyar el arte contemporáneo.

La incorporación de las obras de Juan Falcón en la colección permanente del Museo de Bellas Artes de Asturias no solo enriquece su repertorio artístico, sino que también fortalece el lazo entre las instituciones culturales y los artistas locales, abriendo nuevas vías para el reconocimiento y aprecio del arte contemporáneo en la región.

Color3arte inaugura una Galería de arte en Oviedo

Color3arte inaugura una Galería de arte en Oviedo

Nueva Galería de Color3arte® en Oviedo: Una Celebración de Arte y Creatividad

OVIEDO, Asturias — El pasado 16 de septiembre, tuve el inmenso placer de celebrar junto al equipo de Color3arte® la inauguración de nuestra nueva galería en Oviedo. Este evento no solo marca un hito en nuestra trayectoria, sino que también conmemora el octavo aniversario de nuestra querida empresa, reflejando nuestro firme compromiso con la creatividad y el arte.

«Convergentes»: Una Fusión Artística de Colaboraciones

Nuestra exposición inaugural, «Convergentes», es una muestra sin precedentes que reúne las obras de más de cuarenta artistas con los que hemos tenido el honor de colaborar. Desde pintura y fotografía hasta ilustración en variados formatos como el fan art y el comic art, «Convergentes» destaca la maestría de cada creador y las innovadoras técnicas de impresión que caracterizan a Color3arte®. Es, sin duda, un tributo a la diversidad y pluralidad del arte gráfico, donde lo conceptual y lo comercial se encuentran y se enriquecen mutuamente.

Artistas Destacados en la Exposición:

Manuel García Linares – Teresa Mulet – Favila – Audino Díaz – Maurizio Anzeri – Mikel Rodríguez – Henry Illes – Juan Falcón – Pablo I Prada – Mikel Janín – Belén Ortega – Pepe Larraz – Iñaki Miranda – Ruiz Burgos – Jorge Fornés – Juan Sanoise – Susana Muns – Óscar Martínez – Bruno Redondo – Foni Ardao – David Gómez Alandi – Jorge Brichette – Lídice González Jiménez – José Eduardo Saavedra – Leire Olivares – Nieves Álvarez – Germán Pérez Pieschacón – Ziortza Larreategi – Luis Checa – Martín Satí – Xisco Fuster – Liliana Lamata – Leonor Uriarte – Rafael Ibáñez – Karolo Suárez – Luis José Vigil-Escalera – Emilio Cueto – Paula Sierra Bonet – Glendor Díaz – Juan Lamata

Inauguración y Detalles de la Exposición

La exposición abrió sus puertas el 16 de septiembre en la Calle Manuel Fernández Avello, 15, bajo, Oviedo, Asturias, y estará disponible para el disfrute del público hasta el 15 de enero. Es una oportunidad imperdible para sumergirse en este universo artístico y apreciar la riqueza y diversidad de las obras presentadas.

La Galería: Un Espacio Pensado para la Experiencia Artística

Nuestra nueva galería ha sido diseñada con meticulosidad y pasión. Cada rincón ha sido pensado para ofrecer una experiencia visual única, donde los visitantes pueden sumergirse en la interacción de colores, texturas, tamaños y estilos de cada obra.

Acerca de Color3arte®

Con ocho años en el mundo de la impresión artística, Color3arte® ha trascendido como un estudio de impresión para convertirse en un catalizador de creatividad y un aliado incondicional de los artistas. La apertura de esta galería es una muestra palpable de nuestra misión: acercar al público al maravilloso mundo del arte y agradecer a la comunidad artística por su inquebrantable apoyo y confianza.

Invitamos a todos —público, artistas y medios de comunicación— a unirse a nosotros en este emocionante nuevo capítulo en la historia de Color3arte®. Ven y descubre la belleza y diversidad del arte que hemos tenido el honor de imprimir.

Para más detalles o coordinar entrevistas, no duden en contactarnos a través de: info@color3arte.com. ¡Les esperamos con los brazos abiertos!

8 Años imprimiendo tus sueños

8 Años imprimiendo tus sueños

impresión artística
Después de casi 8 años trabajando en nuestro estudio, ha llegado el momento de mudarnos a unas nuevas instalaciones más amplias y mejor preparadas para la impresión artística. Aunque nos encanta nuestro estudio actual, se nos ha quedado pequeño y necesitamos un espacio más grande y cómodo para seguir ofreciendo nuestros servicios de impresión.
En Color3arte siempre hemos tenido la intención y el propósito de acercar el arte a un público más amplio por lo que estamos emocionados de anunciar la apertura de una galería de arte en Oviedo. Este será un lugar dedicado al descubrimiento y promoción de artistas contemporáneos emergentes y consolidados y también un espacio donde realizar eventos y programas educativos relacionados con el arte y la cultura. La galería contará con una amplia sala de exposición equipada con la mejor tecnología e iluminación museística donde se mostrarán exposiciones permanentes y temporales.
A su vez hemos creado la web Fineartprints.es Será una galería de arte en línea que se enfocará en la venta de arte y fotografías en ediciones limitadas de artistas españoles e iberoamericanos. La plataforma ofrecerá una cuidadosa selección de obras permitiendo que los compradores y amantes del arte puedan buscar, descubrir y adquirir piezas únicas y exclusivas. En Fineartprints.es nos comprometemos a garantizar la satisfacción del usuario al ofrecer una experiencia de compra óptima y asegurarnos de que cada obra de arte y fotografía vendidas sean auténticas y de alta calidad. Artistas y fotógrafos tendrán una oportunidad excepcional para promocionar y vender sus obras a nivel internacional.
Esperamos poder seguir contando con su confianza y les invitamos a visitarnos en nuestra nueva ubicación una vez que finalice este periodo de transición.
Galería de Arte en Oviedo
Ediciones Limitadas Fineartprints
El Cartel Cinematográfico

El Cartel Cinematográfico

EL CARTEL CINEMATOGRÁFICO

Pocas cosas han contribuido tanto al fortalecimiento de lo que se conoce como “star system” en la industria del entretenimiento, como el cartel cinematográfico. Su puesto en el cartel es una de las primeras cosas que discute un actor al negociar su participación en una película,  y es tan grande su importancia,  que la palabra cartel se ha convertido en un adjetivo ligado a la fama de una estrella de cine.

Esa quizás fue la intención de la industria al crearlo en los primeros años del siglo XX;  según toda opinión con base en el trabajo litográfico de un artista francés llamado Jules Cheret,  que llevaba algún tiempo haciendo los llamativos anuncios de Moulin Rouge, Folies Bergere y el Olympia de Paris. Eran carteles artesanales,  de valioso contenido artístico que estaban impresos en litografía y eran distribuidos en pequeños círculos interesados; pero, dieron fama y fortuna a su creador, al punto de citársele como referencia en la aparición de cartel moderno.

Con elementos comunes e indispensables, como son las imágenes y la tipografía, que en su caso adquiere gran importancia, es en realidad la selección de los colores, el tratamiento de la imagen y las habilidades para componer y usar el espacio,  lo que determina el éxito del diseño y,  aunque en estos tiempos el formato papel ha sido muy sustituido por imágenes digitales presentes en páginas Web, redes sociales y otros medios “virtuales”,  aún la publicidad de una película se basa en dos elementos fundamentales: el poster y el trailler

Jules Cheret (31 de mayo de 1836 – 23 de septiembre de 1932) fue un pintor y litógrafo francés que se convertiría en un maestro del arte del cartel. Obra en dominio Publico.

El paso de los años

El arte del cartel empieza a documentarse en los primeros años del siglo XX, específicamente en los años 20, época en la que son piezas artísticas, hechas a mano con preciosas ilustraciones y tipografías muy elaboradas y adornadas. De esa época es representativo el de la película Metrópolis (1927) considerado innovador y nunca antes visto; el paso a los años 30, que para muchos es la época dorada del cine, permite influencias del Art Déco y centra su atención en los protagonistas de las películas. Se usan colores llamativos y tipografías de formas muy caprichosas.

Los años 40 son poco notables debido a la guerra y a la imperante censura y los años 50 se complican un poco con el nacimiento de la televisión; por lo que la reinvención es muy importante pues empiezan a hacerse los primeros intentos de promocionar películas usando los espacios de la tele. El cambio más notorio es el protagonismo casi absoluto que adquiere la tipografía; uno de los grandes carteles de la época es el de la película Ben Hur considerado uno de los 20 mejores carteles de la historia.

Copyright by respective movie studios. Intended for personal use only and strictly forbidden to reproduce as printed posters.

 

Los años 60´s ceden protagonismo a la fotografía, las estrellas de la película,  caracterizadas, ocupaban la mayor parte del cartel, eso dio origen a lo que se conoce como cartel fotográfico; mientras que los 70´s dan paso al tema sicodélico imperante, produciendo carteles muy llamativos. Los años 80´s y 90´s ya empiezan a demostrar el estilo de cartel que impera en el siglo XXI: composiciones graficas con gran sentido del balance, nombres de artistas en gran tamaño, tipografías menos adornadas, pero igualmente llamativas y fondos muy cuidados.

Copyright by respective movie studios. Intended for personal use only and strictly forbidden to reproduce as printed posters.

Los nombres Grandes del Cartelismo

Ya hemos mencionado a Cheret, cuyo papel indiscutible en el origen del género le confiere paternidad, pero, al suyo  debe sumarse el nombre de los que convirtieron el trabajo de diseñar un cartel cinematográfico en una obra de arte.

Saul Bass

Indiscutible rey del diseño gráfico autor de los carteles de Vértigo,  de Hitchcock, o Love in the Afternoon de Billy Wilder y muchas otras, autor que extendió su influencia  a la creación de créditos y títulos para películas de Martin Scorsese y Otto Preminger. 

Saul Bass fue un reconocido diseñador gráfico estadounidense, conocido por su trabajo en la industria cinematográfica y en el diseño de algunas de las identidades corporativas más importantes de Estados Unidos.